The Arnolfini Marriage or The Portrait of Giovanni Arnolfini and his Wife (english version)

Author: Jan Van Eyck

Creation: 1434

Location: National Gallery, London (UK)

Style: Early Netherlandish

Technique: Oil on oak panel

Dimensions: 82 x 60 cm

National Gallery

The author and the Flemish school

Van Eyck is considered as the best representative of the early Netherlandish´s school and, during a lot of time, it was thought that he had been who invented the technique of oil painting. Today it´s believed that he improved it in the way that his brush-stroke with a slower drying allowed him to represent with higher accuracy the figures in his paintings. In this way, this small work is a summary of all the school features: attention to detail, interest in colour, naturalism and perspective study.

Painting description and sociological contextualization

The context in which is developed the painting of the artists called “early Netherlandish”, of which Van Eyck is his maximum exponent, is within a consolidated bourgeoisie, thriving in business, attracted by the interest of interior decoration with wall hangings and, as in this case, paintings where portraits take up an important role.

Giovanni Arnolfini was a rich Italian dealer, coming from Lucca, who was settled in the city of Bruges (Flanders) attracted by the commercial possibilities of that area, in which he reached an extraordinary fortune, of which the painting we are talking about is a good reflection. The represented objects are, in themselves, exponent of the extensive geographic relations of his owner.  

The Arnolfini Portrait

In The Arnolfini Marriage what is represented is the celebration and ratification of the agreements to a future marriage (with an official sponsalia) or an agreement ceremony in the present of two witnesses. The engagement agreements, besides being solemn promises of a future marriage, had the intention of legalizing the new alliance between two families, which was the true intention of the wedding with frequency and where the bride used to be a simple pawn in a wider political or economic context.

Both characters, painted at the forefront, are situated in a room with wood floor and illuminated by a window that is opened to its left. At couple´s feet appears a dog and, stayed in the background, it can be observed the carpet corner and the bed canopy. In the centre of the composition appears a lamp that hangs from the ceiling and, in the back wall, a mirror in which is reflected all the contents of the room. To its left some rosaries are hung and, on the frame, we find a Latin inscription, in Gothic characters, with the following text: “Johanes de Eyck fuit hic, 1434” (Jan Van Eyck was here, 1434).

Giovanni´s Wife

Giovanni Arnolfini appeared in a serious attitude, richly dressed in dark colour with a cape and a wide hat. His right hand, that is raised, seems to swear or bless, while the left one hold his wife´s hand, Giovanna, richly dressed in intense green colour with a white veil. Her bulky belly, on which her other hand is resting, seems to reveal with clarity that she is pregnant. A soft light surrounds the stage, hitting it right over the female face, while it´s mitigated over the dealer´s face.    

Thematic-symbolic analysis (the iconographic value of the daily life objects)

Symbolically the Arnolfini´s painting has originated a great controversy because of its significant quantity of symbolic elements and the difficulty of interpretation of some of them, up to the point of debating if the painting gets really the scene of a marriage celebration, being like a kind of previous compromise to itself, or an exorcism ceremony of a couple who try to put off evil of not having had descendants from themselves.

Some objects that appear as the own scene setting refer to the Arnolfini dealer richness: clothing, furniture, carpet, living room decorations or the presence of oranges close to the window that, due to their origin from the south of Europe, it could be considered a true luxury in Flanders during the XV century. The bed with canopy, in particular, was so

important as a symbol of status, richness and privilege that became to appear in the reception chambers as cult objects and aristocracy synonym. Consequently, the bed, in a middle-class environment, was usually placed in the main room of the house.

The two pair of clogs (hers, close to the bed; his clogs, at the forefront, to the left) connect both spouses with home and,

the fact of which we suppose them barefooted, refer to a fertility idea, very common in that epoch. Nevertheless, it´s

possible that, for Van Eyck and his contemporaries, the daily life common objects didn´t have an iconographic value. High-class fashion of using clogs seems to appear from the use that the Burgundy duke did of themselves. The flogs, in Van Eyck´s work, could be, consequently, goods footwear, because with them he highlights the important social condition of the male figure, connotation that apparently lived on until the XVI century.

Small Terrier

The interpretation of the small terrier as fidelity symbol is applied to almost whichever dog, associating with the female figure, as much in later works as previous ones, is found in many female graves. However, frequently, dogs are particularly common in the Flemish manuscripts enlightenment where they usually take up an empty area at the forefront of the pictorial field, exactly like in the double portrait, suggesting that the primary function of that animal is the composition.

The lamp, in which we only find a burning candle (whose light would pass unnoticed broad daylight), is a clear reference to Christ, (divine presence) and, at the same time, it comes to represent the love flame that can be consumed. Nevertheless, the same as the clogs case, the candle as a daily object couldn´t have iconographic value. The candles price was very high in the XV century. Because of this, if the candles use affected the domestic economy, the only burning candle could answer to a domestic expense control without further ado.

The rosaries, placed to the left of the mirror, refer to the necessity of persevering in prayer while the predominant colours are clearly symbolic as well: while the green one refers to fertility, the red one does it to passion.

The mirror with circular shape and in whose framework is shown to us ten of fourteen Stations of the Cross shows the room scene from an inverse perspective, where it could be appreciated the back of the couple, just like the presence of two others, who could attend like witnesses to the ceremony for which, in that epoch, isn´t necessary a priest. Therefore, the mirror would include the essential element to identify correctly the represented scene: the arrangement ceremony for a future marriage in presence of the witnesses, one of whom could be the painter himself.

As much the tassel that hangs from the bed as Giovana´s bulky belly are clear allusions to fertility. Exactly, on the tassel, in the bed headboard, appears a female figure who could be Saint Daisy (births patron saint) or Saint Martha (home patron saint).

On the couple´s hands appears a gargoyle in smiling attitude. Some authors consider that this element is basic to understand the painting meaning: an exorcism by which is expected to move the evil away that grips the couple: descendants lack.

To sum up, apart from a possible complex symbolic lecture, the daily elements represented in the pictorial work can be

Oranges Detail

seen as a studied representation of middle-high class richness: the bed and other goods furniture at the bottom, the lamp and the expensive mirror, the beads of a rock crystal rosary, the oranges that were extremely expensive in the north of Europe during the XV century, the small carpet close to the bed, the woman´s sumptuous clothes and the man´s fashion clothes and, finally, the woman´s small terrier. Without a doubt, it´s a company animal, without another function of giving pleasure to its owner, that may have seen as another way of emulating the high society, where the tendency to possess dogs as pets was a common practice in the XIV century.

Technical-compositional analysis

The painter´s signature encourages us to look closer into the mirror that, due to its distorted reflection, takes the spectator to look for more in the reflected image and, at the same time, increase our vision out of and beyond the front shot of the painting.   

Mirror Detail

The mirror positioning at the bottom of the scene supposes a true innovation in the painting world, thinking that this work had influence in other paintings that use the same resource decisively, as happens in Velazquez´s Ladies in Waiting.

The light is made into a spaces configurator element and contributes to power, through its reflections, the particularities of physical and sensorial character of each object. At the same time the perspective contributes to develop and goes in depth relating to this figurative conquest.

What it gives plasticity to objects is Van Eyck´s skill as naturalist painter combined with a wide range of possibilities that provides him the use of oil technique while he manipulates the colour scale, light and shadow to improve the three-dimensional quality of his images.

El Matrimonio Arnolfini o El Retrato de Giovanni Arnolfini y su Esposa

Autor: Jan Van Eyck
Creación: 1434

Ubicación: National Gallery, Londres (Reino Unido)

Estilo: Primitivos Flamencos

Técnica: Óleo sobre tabla de roble

Dimensiones: 82 x 60 cm

El Matrimonio Arnolfini

El autor y la escuela flamenca

Van Eyck es considerado como el mejor representante de la escuela de primitivos flamencos y, durante mucho tiempo, se pensó que había sido quien inventó la técnica de la pintura al óleo. Hoy se cree, más bien, que la perfeccionó, de manera que su pincelada, de secado más lento, le permitía representar con mayor exactitud las figuras de sus cuadros. De este modo, esta pequeña obra es una síntesis de todas las características de la escuela: minuciosidad, interés por el color, naturalismo y estudio de la perspectiva.

Descripción de la obra y contextualización sociológica

El contexto en el que se desarrolla la pintura de los artistas denominados "primitivos flamencos", de los cuales van Eyck es el máximo exponente, es el de una burguesía consolidada, próspera en los negocios, atraída por la moda de la decoración de interiores mediante tapices y, como en este caso, cuadros, entre los cuales los retratos ocupan un importante papel.

Giovanni Arnolfini fue un rico mercader italiano, procedente de Lucca, que se asentó en la ciudad de Brujas (Flandes) atraído por las posibilidades comerciales de la zona, en la que logró una extraordinaria fortuna, de la cual el cuadro que comentamos es buen reflejo. Los objetos representados son, en sí mismos, exponentes de las extensas relaciones geográficas de su propietario.

En el cuadro de El Matrimonio Arnolfini lo que se representa es la celebración y ratificación de los acuerdos para un futuro matrimonio (con un oficial sponsalia) o ceremonia de compromiso ante dos testigos (reflejados en el espejo). Los acuerdos esponsales, además de ser solemnes promesas de futuro matrimonio, tenían la intención de formalizar la nueva alianza entre dos familias, lo cual con frecuencia era el verdadero propósito de la boda y donde la novia solía ser un simple peón en un contexto político o económico más amplio.

Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano, pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín, en caracteres góticos, con el siguiente texto: "Johanes de Eyck fuit hic, 1434" (Jan Van Eyck estuvo aquí, 1434).

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada. Una suave luz envuelve la escena, dando de lleno en el rostro femenino, mientras se atenúa en torno al del mercader.

Análisis temático-simbólico (el valor iconográfico de los objetos de la vida cotidiana)

A nivel simbólico el cuadro de los Arnolfini ha originado una gran controversia por su gran cantidad de elementos

Detalle de la cama con dosel

simbólicos y la dificultad de interpretación de algunos de ellos, hasta el punto de debatirse si la obra contiene realmente la escena de la celebración de un matrimonio, siendo como una especie de acta de compromiso previo al mismo, o una ceremonia de exorcismo de una pareja que trata de alejar de sí el mal de no haber tenido descendencia. 

Algunos de los objetos que figuran como la propia ambientación de la escena aluden a la riqueza del mercader Arnolfini: la ropa, el mobiliario, la alfombra, la decoración de la estancia o la presencia de naranjas junto a la ventana lo que, dada su procedencia del sur de Europa, puede considerarse un verdadero lujo en la Flandes del siglo XV. La cama con dosel, en particular, era tan importante como símbolo de status, poder, riqueza y privilegio que llegaron a aparecer en las cámaras de recepción como objetos de culto y sinónimo de nobleza. En consecuencia, la cama, en un entorno de clase media, era colocada normalmente en la sala principal de la casa.

Los dos pares de zuecos (los de ella, junto a la cama; los de él, en primer plano, a la izquierda) relacionan a los esposos

Detalle de los zuecos

con el hogar y, el hecho de que los supongamos descalzos, alude a una idea de fertilidad, muy común en la época. Sin embargo, es posible que para Van Eyck y sus contemporáneos los objetos comunes de la vida cotidiana no tuvieran un valor iconográfico. La moda de la clase alta de utilizar zuecos parece surgir del uso que de los mismos hacía el duque de Borgoña. Los zuecos, en la obra de Van Eyck, pueden ser, en consecuencia, un calzado de bienes, ya que con ellos subraya la importante condición social de la figura masculina, connotación que al parecer pervivió hasta el siglo XVI.

La interpretación del terrier pequeño como símbolo de la fidelidad se aplica a casi cualquier perro, asociándose con la figura femenina, tanto en obras posteriores como anteriores, al encontrarse en numerosas tumbas de mujeres. Sin embargo, con frecuencia, los perros son particularmente comunes en la iluminación de manuscritos flamencos donde a menudo ocupan un área vacía en el primer plano del campo pictórico, exactamente como en el retrato doble, lo que sugiere que la función primaria de la animales es la composición.

La lámpara, en la cual sólo encontramos una vela encendida (cuya luz pasaría desapercibida en pleno día), es una clara

Detalle de la lámpara y la vela

referencia a Jesucristo (presencia divina) y, al mismo tiempo, viene a representar la llama del amor, que puede consumirse. Sin embargo, al igual que en el caso de los zuecos, la vela como objeto cotidiano podría no tener valor iconográfico. El precio de las velas era muy elevado en el siglo XV. Por lo cual, si el uso de las velas afectaba a la economía doméstica, la única vela encendida puede responder sin más a un control del gasto doméstico.

Los rosarios, situados a la izquierda del espejo, aluden a la necesidad de perseverar en la oración mientras que los colores predominantes son también claramente simbólicos: mientras el verde alude a la fertilidad, el rojo lo hace a la pasión.

El espejo de forma circular y en cuyo marco se nos muestran diez de las catorce estaciones del Viacrucis muestra la escena de la habitación desde una perspectiva inversa, pudiéndose apreciar la parte trasera de la pareja, así como la presencia de otras dos personas, las cuales podrían asistir como testigos a una ceremonia para la cual, en aquella época, no era necesario un sacerdote. Por tanto, el espejo contendría el elemento esencial para identificar correctamente la escena representada: la ceremonia de compromiso para un futuro enlace matrimonial en presencia de testigos, uno de los cuales podría ser el propio pintor. A parte de su función cotidiana, los espejos del siglo XV eran elementos muy valorados por ser objetos costosos, utilizados principalmente para el efecto decorativo lo que lleva nuevamente a la representación de la riqueza de la burguesía.

Detalle del espejo

Tanto la borla que cuelga de la cama como el abultado vientre de Giovanna son claras alusiones a la fertilidad. Precisamente, sobre la borla, en el cabecero de la cama, aparece una figura femenina que podría ser Santa Margarita (patrona de los partos) o Santa Marta (patrona del hogar).

Sobre las manos de la pareja aparece una gárgola en actitud sonriente. Algunos autores consideran que este elemento es básico para comprender el significado del cuadro: un exorcismo mediante el que se pretende alejar el mal que atenaza a la pareja: la falta de descendencia.

En resumen, al margen de una posible lectura simbólica compleja, los elementos cotidianos representados en la obra pictórica pueden ser vistos como una representación estudiada de la riqueza de la media-alta: la cama y otros muebles de bienes en el fondo, la lámpara y el costoso espejo , las cuentas de un rosario de cristal de roca, las naranjas que eran extremadamente caras en el norte de Europa durante el siglo XV, la pequeña alfombra junto a la cama, la vestidura opulenta de la mujer y la ropa de moda del hombre, y finalmente el pequeño terrier de la mujer. Sin duda, es un animal de compañía, sin otra función que la de dar placer a su dueño, que también debe haber visto como otra manera de emular a la alta sociedad, donde la tendencia a poseer perros como mascotas era una práctica común en el siglo XIV.

Análisis técnico-compositivo

La firma del pintor nos anima a mirar más de cerca en el espejo que, por su reflejo distorsionado, lleva al espectador a

Detalle de la firma de Van Eyck

buscar más en la imagen reflejada, y al mismo tiempo, amplia nuestra visión fuera de y más allá del plano frontal de la obra.

La colocación del espejo en el fondo de la escena supone una verdadera innovación en el mundo de la pintura, pensándose que esta obra influyó decisivamente en otros cuadros que emplean el mismo recurso, como ocurre en las Meninas de Velázquez.

La luz se convierte en un elemento configurador del espacio y contribuye  a potenciar, a través de sus reflejos, las particularidades de carácter físico y sensorial de cada objeto. Paralelamente la perspectiva contribuye a desarrollar y profundizar en esta conquista figurativa.

Lo que da plasticidad a los objetos es la habilidad de Van Eyck como pintor naturalista combinado con la amplia gama de posibilidades que le brinda la utilización de la técnica del óleo al aceite mientras manipula las gradaciones de color, luz y sombra para mejorar la calidad tridimensional de sus imágenes.

La Gioconda or The Mona Lisa (english version)

Author: Leonardo Da Vinci

Creation: 1503-1506
Location: Louvre Museum , Paris (France)
Style: Renaissance
Technique: Oil on poplar panel
Dimensions: 77 x 53 cm

The official title of the painting, according to Louvre Museum, is Portrait of Lisa Gherardini though it is more known as La Gioconda or The Mona Lisa. Considered as the most famous pictorial work of the world it´s dealt with a painting that have never been valued and, if it was, it would reach probably the highest amount of the History of Art. 

It was the last great work of Leonardo Da Vinci, retouching it until his last years in the period of more fame and popularity of the artist. Afterwards it belonged to Leonardo da Vinci´s sponsor, The King of France Francis I and later to Napoleon. In any moment it belonged to Giocondo´s family.

Due to its importance it isn´t surprising that it was stolen from Louvre by an Italian painter, Vicenzo Perrugia, in 1911 alleging “patriotism”, although it appeared two years later in Italy. Besides it has been sprayed with acid and hit with a stoned thrown by a man in the own Louvre as well, so that in 2005 it was set up behind a bulletproof display case in a special hall where it´s protected from heat, humidity and vandalism. This relocation cost 6 million dollars and 6 million are its visitors annually turning into the fifth painting more visited of the world.  

Louvre Museum

The protagonist of the painting is a Florentine lady, Lisa Gherardini, who was married with a Neapolitan banker, Francesco of Giocondo. Even so, there isn´t a complete agreement about who is the protagonist of the painting. It is said that it could be the Spanish lady Constanza of Ávalos and there are even others who affirm that the painted one is Francesco of Giocondo or even the own Leonardo.

The combination between the aerial perspective and the sfumato technique (blur) get a wonderful three-dimensional emotion and depth. The art critics agree that the best parts of the painting are the hands and, for sure, the enigmatic smile. Over a steamy landscape background, where it´s stood out the figure of this woman, her enigmatic smile constitute the most attractive part of the painting. Da Vinci got his higher aspiration: he could capture the human soul.

About The Mona Lisa´s mouth, there are studies that say that the curling of the lip is like the same of the people who

Detail of the hall

have lost their incisors or suffer bruxism, a habit that takes to grind the teeth because of stress or during sleeping. Margaret Livingstone, visual perception expert at Harvard University, is of the opinion that due to the human eye´s functioning if it´s looked directly to the mouth the enigmatic smile disappeared while if it´s looked to the eyes or another part of the painting the smile come back to appear in La Gioconda´s face.

On its behalf, it attracts the attention the Sherwin Nulan´s opinion, surgery teacher at Yale University, according to himself the smile is due to the lady is pregnant. He reaches this conclusion after analizing the shape of the face, the swollen fingers and the gesture of the hands over the belly (very typical among pregnant women). This opinion is supported by the fact that the veil of fine and transparent muslin, hooked to the collar of the blouse, was a piece of clothing that used to wear the pregnant women or those who had given birth recently.

With the aim of getting relevant data of her expression it was applied a specialized software about feelings measuring. The conclusion reached by the software is that The Mona Lisa is a 83% happy, a 9% displeased, a 6% scared and a 2% angry. The software works on the basis of analizing characteristics like the curling of the lip or the wrinkles around the eyes. After getting the measurements, it compares with a data basis of female facial expressions, of which it gets an average expression.

Detail of physical area

Another special feature of the lady who appears in the painting is that she hasn´t either eyebrows or eyelashes. There are several theories on that regard. One of them, although nowadays it may be surprise, is the fact of being a common habit in that period among Florentine ladies to shave all the facial hair. The second is that possibly it was dealt with a too aggressive restoration in past centuries, in which the painted glazes or slight lines would have been eliminated. Finally, those who defend that Leonardo avoided painting the eyebrows and the eyelashes to let her expression more ambiguous or maybe because he never come to finish the work.

The fame of this painting isn´t only base on the used technique or its beauty, but also on the mysteries that surrounded it and it´s that, against a large number of questions, the answers don´t used to be too convincing, so that the debates continues being opened.

La Gioconda o La Mona Lisa

Autor: Leonardo Da Vinci

La Gioconda o La Mona Lisa

Creación: 1503-1506
Ubicación: Museo del Louvre, París (Francia)
Estilo: Renacimiento
Técnica: Óleo sobre tabla de álamo
Dimensiones: 77 x 53 cm

El título oficial de la obra, según el Museo del Louvre, es Retrato de Lisa Gherardini aunque es más conocida como La Gioconda o La Mona Lisa. Considerada como la obra pictórica más famosa del mundo se trata de un cuadro que nunca ha sido tasado y, de serlo, probablemente alcanzaría la mayor cifra de la historia del arte. 

Fue la última gran obra de Leonardo Da Vinci, retocándola hasta sus últimos años en la época de más fama y popularidad del artista. Posteriormente perteneció al mecenas de Leonardo da Vinci, el rey Francisco I de Francia y más tarde a Napoleón. En ningún momento perteneció a la familia Giocondo.

Detalle de las manos

Debido a su importancia no es sorprendente que fuese robado del Louvre por un pintor italiano, Vicenzo Perrugia, en 1911 alegando "patriotismo", aunque apareció dos años más tarde en Italia. Además también ha sido rociado con ácido y golpeado con una piedra arrojada por un hombre en el propio Louvre, por lo que en 2005 fue instalada tras una vitrina antibalas en una sala especial donde está protegida del calor, la humedad y el vandalismo. Dicha reubicación ascendió a 6 millones de dólares y 6 millones son sus visitantes anualmente convirtiéndola en la quinta pintura más visitada del mundo. 

La protagonista del cuadro es una dama florentina, Lisa Gherardini, casada con un banquero napolitano, Francesco del Giocondo. Aún así, no hay un completo acuerdo sobre quién es la protagonista del cuadro. Se habla de que pudiera ser la española Constanza de Ávalos y hay quien afirma incluso que el retratado es Francesco del Giocondo o incluso el propio Leonardo.

Detalle del paisaje

La combinación de la perspectiva aérea y de la técnica del sfumato(difuminado) consiguen una estupenda sensación tridimensional y de profundidad. Los críticos de arte coinciden en afirmar que lo mejor del cuadro son las manos y, por supuesto, la enigmática sonrisa. Sobre un fondo de paisaje vaporoso, donde se resalta la figura de esta mujer, su enigmática sonrisa constituye lo más atractivo del cuadro. Da Vinci consiguió su más alta aspiración: plasmar el alma humana.

Sobre la boca de la Mona Lisa, hay estudios que dicen que el rictus bucal es como el de las personas que han perdido sus incisivos o que padecen bruxismo, un hábito que lleva a rechinar los dientes por estrés o durante el sueño. Margaret Livingtone, experta en percepción visual de la Universidad de Harvard, opina que debido al funcionamiento del ojo humano si se mira directamente a la boca la enigmática sonrisa desaparece, mientras que si se mira a los ojos u otra parte del cuadro la sonrisa vuelve a aparecer en el rostro de la Gioconda.

Detalle de la enigmática sonrisa

Por su parte, no deja de llamar la atención la opinión de Sherwin Nuland, profesor de cirugía en la Universidad de Yale, según el cual la sonrisa es debido a que la dama está embarazada. Llega a esta conclusión tras analizar la forma de la cara, los dedos hinchados y el gesto de las manos sobre el vientre (muy típico de las embarazadas). Se respalda con el hecho de que el velo de gasa fina y transparente, enganchado al cuello de la blusa, era una prenda que solían llevar las mujeres embarazadas o que habían parido recientemente.

Con el fin de obtener datos relavantes acerca de su expresión se aplicó un software especializado en medición de emociones. La conclusión alcanzada por el programa es que Mona Lisa está un 83 % feliz, un 9 % disgustada, un 6% temerosa y un 2 % enfadada. El software trabaja sobre la base de analizar rasgos como la curvatura de los labios o las arrugas alrededor de los ojos. Tras obtener las mediciones, las compara con una base de datos de expresiones faciales femeninas, de la que obtiene una expresión promedio.

Detalle de los ojos

Otra peculiaridad de la dama que aparece en el cuadro es que no tiene ni cejas ni pestañas. Hay varias teorías al respecto. Una de ellas, aunque hoy en día nos extrañe, es el hecho de que fuera costumbre común entre las damas florentinas de la época depilarse todo el vello de la cara. La segunda que se tratara posiblemente de una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual se habrían eliminado las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Por último, están los que defienden que Leonardo evitó pintar las cejas y las pestañas para dejar su expresión más ambigua o tal vez porque nunca llegó a terminar la obra.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean y es que, frente a la gran cantidad de preguntas, las respuestas no suelen ser demasiado convincentes, por lo que los debates siguen abiertos.